Here comes the fuzz. Mark Ronson

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Antes de Amy Whinehouse y de “Uptown funk”, Mark Ronson publicó su disco de debut en el 2003 y no se enteró ni el tato. “Here comes the fuzz”. Un discazo. La banda sonora ideal para una fiesta. Hip hop para gente a la que no le gusta el hip hop,  y más cosas. Ronson era conocido entre la “socialite” de Nueva York por pinchar en todas las fiestas de la ciudad. Este disco empezó a sentar las bases de su sonido, que tiende puentes entre la cultura urbana afroamericana del siglo XXI  y el soul-funk de los 60 y los 70.

El álbum mantiene su “punch” más de 10 años después y contiene un buen puñado de temazos que no desmerecen a ningún hit actual; “Ooh wee”, “I suck”, “International affair”  o “Here comes the fuzz” . Hay un montón de colaboraciones, sobre todo de rappers como Ghostface Killah, Mos Def, Nate Dogg, Anthony Hamilton o Nappy Roots. Pero también de cantantes como Rivers Cuomo de Weezer, Sean Paul y Tweet, Nikka Costa (¡!) o Daniel Merriweather.

“Here comes the fuzz” salió en España en el año de su publicación pero tuvo una repercusión escasa y únicamente la desaparecida revista de Barcelona Go Mag se animó a entrevistar a Ronson. Este disco no te va a cambiar la vida, pero si hará que durante más de 40 minutos, la vivas con una vibración positiva.

 

Fleetwood Mac

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Fleetwood Mac2 - photo credit Sam Emerson

Ojo; Fleetwood Mac no es un grupo para currutacas inglesas. Aunque puede que algunas de ellas escuchen sus canciones. No nos extraña. Algunos de esos temas han sobrevivido décadas, modas, odios,  tempestades  y corrientes culturales. Y ahora es momento de reivindicarlos y hacer justicia con un grupo ÚNICO en la historia del pop.

En Fleetwood Mac se congrega la mayor cantidad  de compositores de enorme talento de la historia de la música. Frente a Lennon&McCartney, Jagger&Richards o Page&Plant , el trío formado por  Stevie Nicks, Chrstine McVie y Lindsey Buckingham escribió una de las páginas más brillantes del gran libro de la música popular gracias a una colección de canciones eternas.  La impresionante racha de cinco discos multi platino de Fleetwood Mac comenzó en los años 70 y continuó hasta 1982 con la publicación de “Mirage”. Álbumes como “Rumours”, grabado en medio de la catarsis, el caos, las rupturas emocionales y el abuso de drogas, o “Tusk”, de una onda más experimental,  son joyas a descubrir y reivindicar por la generación Pitchfork.  Aquí puedes ver un docu de la BBC sobre “Rumours” Mira aquí el video de “Tusk” grabado con una fanfarria de la Universidad del Sur de California. Y este otro video hizo historia en su momento; “Gypsy” fue el clip más caro de su época .

En Fleetwood Mac destacaba el enorme magnetismo de Stevie Nicks, que se ha convertido en todo un icono femenino para la generación del click. Junto con Kate Bush, es la cantante femenina de los 80 que mas menciones recibe en redes sociales. Es objeto de adoración por parte de una nueva generación de chicas que busca en el pasado  referentes con personalidad.

Hay más historias sobre Fleetwood Mac; las portadas de algunos de sus discos forman parte de la iconografía del pop, especialmente la de “Rumours”. La foto de “Mirage”, que fue realizada por el fotógrafo de Hollywood George Hurrell, ha sido objeto de debates y especulaciones durante años. Y la imagen de portada de “Tusk” fue realizada por Peter Beard, uno de los fotógrafos más creativos del siglo XX.

Wilco Wilco Wilco

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Everybody loves Wilco. En esta casa hemos trabajado mucho y muy bien con el grupo de Chicago. Desde su debut en Nonesuch “Yankee Hotel Foxtrot” (2002) hasta su disco de título homónimo, del 2009. Una experiencia intensa,  muy satisfactoria y enormemente enriquecedora.

De Wilco nos gusta especialmente cómo han sido capaces de construir una carrera ejemplar al margen de los convencionalismos, la radio fórmula o los impactos publicitarios (que también los hubo). A base de grabar discos inmensos, plenos de talento, y ofrecer algunos de los conciertos mas memorables que se recuerdan (La Riviera, Noviembre del 2007) .  Las constantes visitas del grupo a España, desde su debut en el PS del 2004 (en Poble Nou), han ayudado a cimentar una fama y una legión de seguidores que no quería perder detalle de su prodigiosa musicalidad. El silencio en los conciertos de Wilco es muy representativo del grado de involucración que el público español tiene con el grupo americano. El DVD en directo “Ashes of American flags” (2009) es un fiel testimonio del potencial de Wilco en directo.

“Beautiful and strange”, a esto nos sonaba la demo con dos canciones (“Either way” e “Impossible Germany”) que su manager Tony Margherita nos entregó meses antes de la publicación de “Sky blue sky”.  Tweedy visitó Madrid y Barcelona para defender este disco, en dos agotadoras jornadas promocionales de las que aprendimos un montón. Entre recomendaciones de libros (“El arco iris de la gravedad” de Thomas Pynchon), y discos (Relatively Clean Rivers) confesiones de un incipiente “runner”, 20 Diet Cokes al día y el “descubrimiento” del Vichy Catalán, entrevistas tensas con RDL y comidas en el mercado de Barcelona, se cimentó una relación que tuvo su continuidad durante varios años.  Por el camino quedaron muchas entrevistas, videos de fans para El Pais, merchan y memorabilia de todo tipo (un jugoso 7” con inédito para FNAC) , un archivo de grabaciones en audio y video de sus conciertos, y sobre todo, una sensación de estar al lado de un genio de verdad. Un músico de raza, con un talento especial y una personalidad única. Tweedy es un niño grande, con las dudas y certezas de los grandes artistas, pero tiene una visión muy clara de cómo debe ser su carrera. Y esta pasa por proyectos paralelos como su disco en solitario, los dos maravillosos álbumes con Billy Bragg en homenaje a Woody Guthrie o  Loose Fur, el grupo que creó con Glen Kotche y Jim O´Rourke y que grabó un disco espontáneo e inmediato con alguna de las mejores canciones de su repertorio.

Material de visionado obligatorio para cualquier fan de Wilco; el documental “I am trying to break your Heart”  (2002) sobre la grabación de “Yankee hotel foxtrot” y su complicada salida de Reprise. Es también muy recomendable el libro “Learning how to die” del periodista Greg Kot.

Si te las perdiste en su momento, ahora puedes hacerte con las obras maestras de Wilco a un precio especial reducido.  De  “A ghost is born” a “Yankee Hotel foxtrot”, pasando por su etapa en Reprise; “AM”, “Being there” y “Summerteeth”

Foto Jeff Tweedy; Autumn De Wilde 

 

Stills & Young. Encuentro en la carretera

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neil y stephen

More new blood. Juanjo es un nuevo fichaje con una pasión real por la música, el cine y la literatura. Juanjo sabe lo que se hace y nos ha pasado este curradísimo texto sobre Neil Young, Stephen Stills y Buffalo Springfield;

 

N E I L  Y O U N G. No hace falta pronunciar una sílaba más. Su propio nombre ha trascendido su valor lingüístico y tiene un significado propio, casi mitológico. Leyenda viva de la música nacido en Toronto hace 71 años, amante de los automóviles, los trenes y reconocido activista ecológico. Un músico prolífico como pocos, con más de medio centenar de álbumes entre discos de estudio, directos y recopilatorios. ¿Qué más se puede escribir sobre Neil Young?

Este post no busca analizar con precisión quirúrgica la irregular carrera del canadiense, ni responder a dudas existenciales tales como “¿Cuándo grabará Neil Young el próximo Harvest?” (probablemente no lo reconoceríamos aunque lo tuviéramos ante nuestros oídos). Negativo. Este post habla sobre las casualidades. Sobre cómo el destino se quiso cruzar entre dos músicos excepcionales condenados a entenderse: Stephen Stills (Texas 1945) y Neil Young. Desde que ambos se conocieron en Fort William (Ontario, Canadá) en 1963, una más que justificada admiración mutua les llevó a jurar que en algún momento de sus vidas iniciarían proyectos juntos. En esos momentos los compromisos de Stills con The Company, y de Young con The Squires (y posteriormente The Mynah Birds) aplazaron la colaboración.

Neil Young y Bruce Palmer (bajista de The Mynah Birds) abandonaron el frío norte tras la disolución del grupo y huyeron con sus instrumentos en Mort, un viejo Pontiac fúnebre, hacia tierras más cálidas. Concretamente hacia Los Ángeles, California. No olvidemos que ninguno tenía pasaporte americano. Allí los dos inmigrantes ilegales se pasaron semanas buscando a Stephen Stills por el circuito nocturno de la ciudad, sin éxito. Nadie en la escena musical había oído hablar de él. Sin dinero para subsistir y únicamente con un tanque lleno de gasolina, los dos amigos ponían rumbo a San Francisco, la meca hippie por excelencia, cuando en medio de un gigantesco atasco escucharon gritos desde el automóvil contiguo: “¡Neil! ¿¿Eres tú??”. El Dios Música obró el milagro. Stephen Stills y Neil Young se bajaron de sus respectivos coches y, entre ruido de bocinas e insultos, se fundieron en un abrazo.

Aún no lo sabían pero en esa calurosa carretera se germinó la semilla de lo que sería con posterioridad una de las bandas más exitosas de la escena country-rock en los años sesenta: Buffalo Springfield. La etapa que sucedió a la época de pubertad musical de Young con The Squires, su primera banda “seria”, duró dos años: de 1966 a 1968. Lo que tardó Palmer en ser nuevamente deportado a su Canadá natal por posesión de marihuana, algo que ninguno supo superar. Palmer era el cemento que unía a la banda con dudosa solidez. Dos años repletos de batallas de egos, escándalos con las drogas y problemas con la policía. Demasiados gallos en un mismo corral.

Buffalo Springfield, el grupo con nombre de cosechadora, fue un punto y aparte en la historia de la música americana. Young, Stills y Furay supieron hacer interactuar a la perfección guitarras eléctricas y acústicas, haciendo de ese sonido, junto con la armonía de sus voces, su sello de identidad. El country-folk de Stills fundido como mantequilla con los solos más rockeros de Neil. (Algunos dicen que ese sonido fuzz tan característico de Young surgió tras caerse su amplificador por las escaleras –véase Mr. Soul). Aires frescos de trémolos y psicodelia directamente traídos desde la escena inglesa, que arrasaba en esa década. De lo que no cabe duda es que ni Neil Young ni el resto de integrantes habrían triunfado en sus posteriores carreras en solitario de la misma forma sin esos dos años de aprendizaje y convivencia con el éxito. En alguna declaración reciente afirmó no comprender por qué no grabaron discos en solitario sin disolver a los Buffalo Springfield.

Posiblemente la banda en la que menos participación tuvo Neil Young a nivel compositivo. De sobra es conocida la frustración de Young sobre su rol en el grupo. Su inseguridad respecto a las grabaciones de su voz, fundada en las opiniones de sus representantes a la hora de elegir a Stills o Furay como voces principales en muchos de los temas compuestos por él, llevó al de Ontario a consumir anfetaminas para grabar con soltura algunos temas. Pero Young sabía que existía mucha más música en su interior y abandonó la banda meses antes de sacar Last Time Around, un disco “póstumo” publicado por obligación contractual. ¿Sería Expecting to fly, uno de los pocos temas compuestos e interpretados por Young, una premonición? El resto de la historia es de sobra conocida por todos.

Benditos atascos.

Buffalo Springfield (Atlantic Records)

1966 – 1968

Buffalo Springfield (1966)

Buffalo Springfield Again (1967)

Last Time Around (1968)

Lectura recomendada; “El sueño de un hippie. Memorias de Neil Young”

 

 

RHCP

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Chili Peppers rule. Que banda, que sonido, que personalidades, que temazos…Los que vivimos en los años 90 flipamos, literalmente, con “Give it away”. Recuerdo que un amigo, que no era precisamente muy melómano, me comentaba “Esto es la música del siglo XXI”. Funky, freaky, crudo, electrizante…los Peppers dominaron durante muchos años con un sonido propio, inconfundible, diferente…Recuerdo ver el video de “True men don´t kill coyotes” en FM2, el programa que Diego Manrique y Christina Rosenvinge hacían en la 2 de TVE. Y fue un impacto bestial, uno de esos momentos de gloria, del que te acuerdas toda la vida. Luego me pillé un maxi (¡en formato cuadrado!) con “Taste the pain”, que incluía una versión en directo de Jimi Hendrix. Todo esto ocurrió en 1989, cuando publicaron “Mother´s Milk”. También me hice con un mítico VHS en directo “Psychedelic sex funk live from heaven”. Una demostración de fuerza bruta de una banda a punto de explotar.

En el año 91 publican “Blood sugar sex magik”, inician la década de los 90 y dan paso al siglo XXI. Un disco doble con un repertorio imbatible, una producción majestuosa de Rick Rubin, una portada de Gus Van Sant que hizo historia, el video de “Give it away” realizado por Stéphane Sednaoui (un francés loco con faldas) y la confirmación de John Frusciante como el motor creativo de una banda que había chupado mucha carretera y que ahora estaba en condiciones de conquistar el mundo. Todo el proceso de grabación del disco, que se hizo en una casa encantada propiedad de Hendrix, quedo documentado en la pelí “Funky Monks”.

En el 2006 los vimos en directo en el Circulo de Bellas Artes de Madrid, en un concierto presentación de su disco “By the way”. Sin luces y con una producción mínima, salieron a matar. La gente se puso como loca, pegando botes y el suelo de la sala de columnas del Círculo empezó a temblar. Años más tarde los vimos de nuevo en el Palacio de Deportes y ofrecieron un show apoteósico con un Frusciante en estado de gracia.

Larga vida a los Peppers;  el sonido de una generación

Para los que quieran saber más sobre el grupo, y especialmente sobre su cantante Anthony Kiedis, os recomendamos fervientemente su auto biografía “Scar Tissue”.

Ratt

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Patrol is the dude. Un nuevo fichaje en la oficina con un apellido que parece sacado de una película de Tarantino, y mucha pasión por el “hair metal” de los 80. Además de hacer diseños dabuty, de todos los tipos y colores, nos ha pasado este texto que no te puedes perder sobre Ratt y otras bandas de la época.

 

Parece de cajón, ¿no?  Que el glam, como movimiento dentro del heavy metal, sea ridiculizado tanto por los heavies tradicionales como por la crítica mainstream.  Por un lado, los afeminados y hedonistas músicos de grandes melenas que inundaron la escena del rock californiano durante los ochenta poco o nada tienen en común con los cabreados über-machos que estaban al frente de bandas más puristas como Metallica o Slayer. Por otro lado, el glam metal, con sus letras absurdas, estructuras predecibles y aura de producto jamás logró cautivar a la crítica mainstream.  Esto llevó a que el movimiento entero fuese abandonado como una tienda de campaña hundida en el lodo del Wacken en el momento en que la escena de Seattle insufló oxígeno en los pulmones del rock americano, que se estaban colapsando por el exceso de laca y brillantina.

Hay excepciones, por supuesto.  Siempre las hay.  No todas las bandas de glam fueron iguales.  Cuando se habla de bandas como Poison, Bon Jovi o Warrant uno se puede esperar toda clase de comentarios descalificativos, en algunos casos bastante justificados.  Sin embargo, cuando uno menciona otra serie de bandas, las reacciones pueden llegar a ser bien distintas.  Hay grupos como Van Halen que logran ser trascendentes a pesar de estar dentro de un género que irónicamente solo buscaba ser intrascendente.  Otra banda que extrañamente ha logrado obtener ese estatus es Ratt.

Parece raro.  Su disco debut, “Out of the Cellar” fue el clásico éxito multi-platino de la época, que en un principio podría parecer un refrito de los mismos sonidos y valores que llevaron a otras bandas a la cima.  ¿Qué demonios tendría de interesante este disco creado por cinco hombres que parecían muñecas hinchables y que acababan de pasar la peor noche de sus vidas?

La respuesta es sencilla: Mucha caña.  Lo que perdura de este disco son los riffs de guitarra de Warren DeMartini que invaden cada hueco de cada canción, llenándolas de aquellas “shred guitars” con tintes blues que las peores bandas de la época tendían a aguar.

Con Ratt sucede todo lo contrario.  Aquí no hay nada aguado.  Desde los primeros acordes de Wanted Man, pasando por uno de los riffs y estribillos más pegadizos de los ochenta: Round and Round, la caña y los decibelios son constantes.  También cabe destacar la producción reluciente y nítida, a la americana, realizada por Beau Hill, pionero del sonido que acabaría siendo odiado por los amantes del rock en todo el mundo.

Stephen Pearcy, reconocible frontman y bon vivant, que siempre pensé que tuvo suerte de juntarse con un guitarrista tan talentoso como Warren DeMartini, tiene la voz impregnada de ese macarrismo ochentero que suena tan jodidamente bien cuando se le aplica cierta cantidad de reverb.  Es innegable que su timbre es icónico y que el hombre tenía una gran habilidad a la hora de crear canciones con ganchos y estribillos increíblemente pegadizos, a pesar de que las letras se asemejen bastante a lo que un adolescente cachondo escribiría por obligación en una clase de lengua de tercero de la ESO.

Hay que decir que hay relleno.  Siempre hay relleno.  Pero tampoco importa mucho cuando estás haciendo “head banging”.  ¿No?  El caso es que el “Out of the Cellar” de Ratt es el disco perfecto para alguien que se esté intentando introducir en el mundo del glam ochentero (algo para mí inconcebible pero bueno…).  Es suficientemente cañero como para que no se rían de ti tus amigos  y al mismo tiempo, es innegable que tiene sus momentos muy finos.

En definitiva, es de lo mejorcito de un género que era lo peor.

I would die 4 U

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Prince-CTC

El mundo de la música ha recibido con enorme impacto la noticia del fallecimiento de Prince. Uno de los grandes iconos de las cuatro últimas décadas, cuya influencia traspasaba los límites artísticos para convertirlo en una referencia indiscutible en la sociedad del siglo XX. La muerte de Prince nos recuerda lo preciados e irremplazables que son los artistas capaces de elaborar su propio universo e impactar en la cultura de una manera tan significativa. Ayer nos dejó uno de los talentos más revolucionarios  de nuestra era.

Prince irrumpió en la escena en 1978 y al cabo de poco tiempo, el mundo percibió que la música pop había cambiado para siempre. Artista total, consideraba el estudio de grabación como un instrumento y rompió los moldes de las actuaciones en directo. Prince definió un nuevo tipo de súper estrella, con un impacto que transformó no sólo la música, sino también las artes visuales y el estilo estético.

Prince era el epitome del “cool” y el misterio, un alma inspiradora que construyó su propio mundo enlazando géneros, razas y culturas como ningún otro. Su imparable inquietud artística y su enorme talento han aportado al mundo miles de momentos de gloria a través de canciones eternas como “Purple rain”, “Kiss”, “Rasperry beret”, “Little red corvette”, “Diamonds and pearls”, “Cream”, “Sexy MF”, “I would ie 4U” o “The most beautiful girl in the world”.

Mira la espectacular actuación en la Super Bowl del 2007

Record Store Day 2016

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Este Sábado 16 de Abril se celebra una nueva edición del Record Store Day. Un evento de apoyo a las tiendas de discos especializadas en el que llevamos años participando, y de manera muy activa. Al principio sólo con lanzamientos internacionales, y en estas últimas ediciones con discos de nuestro catálogo nacional. Todos ellos en  ediciones muy cuidadas para coleccionistas y amantes a la música en general. RSD se merece todo nuestro apoyo, al igual que cualquier iniciativa que defienda un sector, el de la música, muy golpeado en las últimas décadas.

RSD sigue siendo una fiesta de y para los compradores, amantes del vinilo y aficionados, que reivindica la búsqueda y la adquisición de discos en formato físico frente a la avalancha de los tracks digitales.

En la lista de discos internacionales de este año podemos encontrar joyas como dos singles en picture disc 7″ de David Bowie, un EP japonés en vinilo rosa de Madonna, un directo de Allen Tousaint grabado en 1975, singles de Muse, Foals y  Iron Maiden, cuatro grabaciones en mono de John Coltrane, un directo y un single 7″ de The Doors, doble vinilo de rarezas de Deftones, un directo inédito de Tom Petty & The Heartbreakers grabado durante la gira 2013, o un single con dos temas nuevos de Mudcrutch el resucitado primer grupo de Petty.

La lista de discos nacionales incluye los dos primeros singles de 091 en un único EP, el álbum de Derribos Arias, un directo de Héroes Del Silencio de 1991, un single de León Benavente con una canción inédita grabada con Bunbury y un EP de versiones Iván Ferreiro.

La gran mayoría de estos discos se publican en ediciones limitadas, y todos ellos exclusivamente el 16 de Abril en las tiendas de discos participantes. Pincha aquí para ver el catálogo completo con información de cada disco.

 

Damon Albarn en Mali

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Mali tierra de artistas. Miquel Barceló se reinventó allí tras unos años oscuros en NY y entregó al mundo algunas de sus mejores obras de arte. A los interesados, les recomendamos el libro-diario que hizo de su primer viaje africano

Damon Albarn es también artista inquieto, músico de raza. Albarn visitó Mali en el año 2000 para participar en un proyecto de Intermon Oxfam. Recorrió el país grabando a músicos en bares y calles. Colaboró con los guitarristas Afel Bocoum y Lobi Traore, y el interprete de kora Toumani Diabate. Cuando volvió a Londres, llevó todas esas pistas al estudio para añadir una variada instrumentación. Múltiples y enriquecidas capas sonoras alimentadas por pianos, samplers, xilófonos, guitarras, percusiones, beats  y coros. Albarn no se apropia del talento de estos músicos, sino que rinde tributo a una cultura y unos sonidos que le han sido de enorme inspiración. El disco es una pequeña maravilla para oídos despiertos, una joya con una coloración especial que se escapa a cualquier etiqueta para adentrarse en el terreno de la gran música con mayúsculas. Mira este video de su estancia en Mali

Damon Albarn es un artista a reivindicar, y uno de los pocos músicos que ha sido capaz de construir una carrera que compagina el éxito comercial con las inquietudes artísticas al margen del mercado. Sus apabullantes cifras de venta con Blur y Gorillaz coexisten con una inclinación natural a traspasar nuevas fronteras, complicarse la vida o colaborar con gente como  Paul Simonon (The Clash), Tony Allen, Brian Eno, Michael Nyman, Danger Mouse, Jerry Dammers (The Specials), Flea (Red Hot Chili Peppers), Bobby Womack, o el diseñador  Jamie Hewlett. Albarn ha compuesto bandas sonoras, operas chinas y musicales. Pincha en este enlace para ver un documental muy recomendable que le hizo la BBC.

Diseño de portadas

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Peter Saville formó parte de Factory Records, posiblemente el primer gran sello indie en UK. Saville diseñaba las portadas de los discos y ejercía de director artístico, dotando a Factory de una personalidad e iconografía propias. Los fans identifican al sello a través de sus carteles, flyers, pegatinas, chapas y demás parafernalia de la época. Saville fue responsable de algunas de las portadas más brillantes de la historia del pop, especialmente las de Joy Division. Incluso en sus diseños más sencillos, tenía la capacidad de transmitir, captar la atención del público. Aparte de su trabajo en Factory, Saville diseñó discos de OMD, Peter Gabriel, King Crimson, Roxy Music, Duran Duran, Pulp o Wham! Pincha aquí para conocer la historia detrás de “Unknown pleasures”, la portada más mítica de Saville y Joy Division

En España, Décima Victima, un grupo a reivindicar, intentó transportar el espíritu Peter Saville-Factory a sus portadas, con herméticas y a la vez poderosas imágenes que reflejaban muy bien su introspección sonora.

Es verdad que el diseño de portadas de discos adquiere en algunos casos la categoría de obra de arte. En esta última época, y gracias a la recuperación del vinilo, los fans pueden valorar y disfrutar de una buena portada en un tamaño adecuado. Un rejuvenecimiento milagroso, el de este formato analógico,  y esperemos que duradero. En este catálogo hay portadas que son obra de artistas como Iván Zulueta (Orquesta Mondragón, Vainica Doble), Oscar Mariné (Los Rodríguez, Siniestro Total), Alberto Garcia Alix (Gabinete Caligari y Malevaje),  Javier Aramburu (Calamaro, Duncan Dhu), Pablo Sycet (Alaska y Dinarama, Esclarecidos) o  El Hortelano (Gabinete Caligari). Ultimamemte nos han gustado las portadas de Manel y Fuel Fandango, obra de Neil Krug

También hay portadas de diseñadores y fotógrafos internacionales como Shepard “Obey” Fairey  (Led Zeppelin 2007-10, Stone Temple Pilots), Paul Romano (Mastodon), el equipo Hipgnosis (Pink Floyd, Led Zep, Muse), Robert Mapplethorpe (Television), Roger Dean (Yes) o Gus Van Sant (Red Hot Chili Peppers).

Algunas de esas portadas forman parte de la historia de la cultura popular joven. Hay diseños que aportan un valor al disco, y otros que no aportan nada…algunas portadas  no tienen ni el nombre del grupo en la imagen pero transmiten más que otras…Hay gente que compra discos por sus portadas, a mi mismo me pasó el otro día cuando pillé un maxi de XTC por 3€ en una tienda de segunda mano en Arguelles. Y recuerdo que en el mitiquísimo programa de TVE2 “Plastic” hacían un concurso de portadas

Javier Aramburu es nuestro Peter Saville particular, salvando las distancias. Un artista de verdad, con una personalidad reclusiva que ha engrandecido su leyenda. Aramburu es de Donosti, formó parte de Family, sólo existe una foto de él y ha hecho portadas para Los Planetas, La Buena Vida, Andrés Calamaro (entre ellas una que no se publicó para el disco “El salmón” ) o Duncan Dhu. Hizo dos portadas gloriosas para las cajas de “La edad de oro del pop español”, con un Franco travestido a lo Marilyn. Aramburu no concede entrevistas, hace años que no diseña portadas, excepto las de Single el grupo de sus amigos Ibon Errazkin y Teresa Iturrioz,  y se ha centrado más en la pintura. Su talento como pintor esta a la altura de sus diseños y los que acudimos a su primera exposición en la calle Alameda de Madrid pudimos ver obras realistas y orgánicas de una deslumbrante belleza.