Rafael Berrio

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Recuerdo tomar café un sábado de  noviembre del 2010 en el bar el Muro, del donostiarra barrio de Sagües. Barrio de antigua mala fama, de marineros, artilleros, fumetas, surferos  y demás fauna garufa. La música que sonaba nos recordaba a alguien conocido pero no del todo explorado. Un disco entero. Nos acercamos a preguntar al “bar man” que nos dijo que era el nuevo álbum de Rafa Berrio. Ya habíamos oído hablar de Rafa, a través de un conocido común, y me acordaba de una entrevista con Ruta 66 realizada en una cabina de teléfono. Berrio era toda una institución en la bohemia donostiarra. También nos acordábamos de esta canción, sublime, de uno de sus anteriores grupos, Amor A Traición.

La escucha de “1971” en ese bar fue todo un descubrimiento. Una revelación. Un momento de gloria. De asombro, de inspiración. Y también de activación. De pensar, como ha pasado otras veces, que la gente tenía que descubrir esa joya. Rafa tuvo su punto de inflexión con “1971”, esta claro que las cosas empezaron a cambiar para él a partir de aquel disco. Unas letras únicas, de una lírica especial, al alcance de muy pocos. Berrio lee a Baroja, a Galdós, y reivindica al “bon vivant”, al maldito, al poeta del arroyo, a la “bohemia que ya no existe”. Sus textos hablan de personajes al límite, de las mujeres que soñamos, de descubrir el amor cuando uno ya esta de vuelta o de “tirar al mar las llaves”. Cuando se habla de este disco no se debe olvidar nunca el trabajo, brillante e inspirado, de Joserra Senperena. Reconocido pianista, productor y arreglista que ha grabado con todos los grandes.

Rafa llama “vernissage” a una presentación, tiene una pronunciación muy personal, a medio camino entre la Belle Epoque donostiarra y el afrancesamiento de los ilustrados. Le encantan las tascas, los bares con mil historias, los de camareros de camisa blanca y servilletas en el suelo, el lumpen, los barrios del Madrid golfo  y la casa de Baroja en Vera del Bidasoa. Es uno de los pocos artistas bohemios de verdad  que hemos conocido en 20 años trabajando en el mundillo de la música.

Tres años después de la publicación de “1971” tuvimos el placer de trabajar con Rafa en el lanzamiento de su siguiente álbum “Diarios”. Un trabajo de un año que dio sus frutos y que tuvo sus pequeñas-grandes recompensas. Hoy Berrio vive momentos de gloria, y este año ha grabado “Arcadia en flor”,  su preciosa canción para la película de Jonás Trueba “La reconquista”. Ahora mismo esta trabajando en una zarzuela de Pablo Sorozabal y Pio Baroja, con Ángela Molina. Rafael Berrio ha sido reconocido al fin, y ha encontrado definitivamente su lugar, reivindicado por la nueva generación de grupos independientes y acogido por los veteranos de amplia carrera. Mucha suerte Rafa

(Foto de Thomas Canet)

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Alaska “El huracán mexicano” por Pedro Munster

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Este Viernes 9 de Diciembre se reedita “El huracán mexicano”, un disco doble que se publicó en 1998 y que contenía rarezas de la ya por aquel entonces amplia carrera de Alaska. Tras muchos años descatalogado, el disco de pone de nuevo en circulación para alegría de los numerosos fans de la cantante mexicana.

Olvido Gara, Alaska, es leyenda viva de la música en España y este álbum muestra el lado oculto de una trayectoria ejemplar. Contiene 34 canciones grabadas entre 1982 y 1998 con Dinarama, Los Pegamoides y Fangoria, tres grupos con los que ha escrito algunas de las páginas más brillantes del pop en castellano.  A lo largo de una trayectoria que abarca más de 4 décadas, Alaska ha sido una artista imprescindible en el devenir de la música española. Su trabajo con músicos de enorme talento (Carlos Berlanga, Nacho Canut, Eduardo Benavente, Ana Curra…) le ha llevado a componer canciones inmortales que forman parte de la banda sonora del siglo XX. Además el indudable carisma de Alaska la ha convertido en una de las personalidades más influyentes de la sociedad española.

La publicación del álbum, en su edición original, fue coordinada por la propia Alaska en colaboración con Pedro Munster, gran fan de la cantante mexicana. Pedro es además una enciclopedia viva de la música pop española, con un archivo impresionante que atesora más de un tesoro. Pedro ha escrito este texto sobre “El huracán mexicano”, con acertados comentarios sobre cada canción.

 

Tras la deficiente publicación en  1996  del álbum recopilatorio “Delirios De Grandeza”, y  ante la negativa de Alaska de involucrarse en ningún tipo de promoción al respecto de dicho proyecto, dos años después la compañía decidió ponerse en contacto con ella para hacer un álbum que estuviera dirigido por ella misma. Así nació “Alaska – El Huracán Mexicano”.

Fue la propia Alaska la que me encargó que, como fan número uno, hiciera junto a ella la selección de los temas. Yo me vine arriba (como siempre) y por mi cuenta hice una selección exhaustiva, que como era lógico era más propia de un Box Set que de un doble álbum. También se me indicó que por favor, llamara al señor de la compañía que llevaba el proyecto para asegurarnos de que los temas escogidos estaban disponibles. Cuando llamé me porfiaron que todo era correcto. A los 15 días me llamaron para pedirme disculpas y decirme que había unos temas, de los escogidos, que les sonaban a chino y que no aparecían por ningún sitio. Las canciones en cuestión eran: “Redrum [Versión Inglesa]”, “Bailando [Balearic Matey Mix]” y “Zombis En La Casa Del Amor”. Les dije que no se preocuparan, que yo los tenía, y estaba todo resuelto. Como recompensa fui premiado por el director de la compañía con un material del grupo impagable, el cual guardo a buen recaudo.

Con tan maravilloso contenido y con una ALASKA retratada para la ocasión por Álvaro Villarrubia al más puro estilo mexicano -y reflejando y quedando constancia del gran ICONO que es- … El álbum que tienes entre tus manos es el fruto de algo cuidado, bien hecho y sobretodo creado con respeto, por y para el disfrute de cualquier fan número uno que se precie.

CD 1

La Línea Se Cortó [Re-Mix]:

Mucho más sexy ésta versión que se hizo para el single que la del LP “Grandes Éxitos” de Alaska Y Los Pegamoides. Para ella, y como Carlos ya no estaba en el grupo, se volvieron a grabar las voces sustituyéndose la de Carlos Berlanga por una Ana Curra, más sensual, añadiéndose una nueva guitarra de Eduardo Benavente, para ofrecernos, para ofrecernos una bella canción acerca de las relaciones que nunca llegan a buen final.

Mujeres Rusas / Enanos Asesinos:

Caras B del primer maxisingle de Dinarama + Alaska “Perlas Ensangrentadas”. La primera nos invita a un maravilloso viaje en el espacio exterior a cargo de unas particulares mujeres y la segunda, titulada al principio “Tomates Asesinos” (en homenaje a la película), nos relata la presencia de unos extraños seres.

Crisis [Versión Larga] / No Hay / Señora Kleenex:

Segundo maxisingle de Dinarama + Alaska. En la Cara A una extensa versión de “Crisis” y en la Cara B dos temas: el primero habla de las jóvenes en Berlín Oriental y en Cabo Cañaveral y el segundo del escándalo de Christina Keeler –caso “Profumo”- y de la relación escandalosa que protagonizaron en su momento la Señora “Kleenex” y la Señora “Pulitzer”.

Tormento / Nunca Se Sabe:

Caras B del tercer maxisingle de Dinarama + Alaska: “Deja De Bailar”. La primera habla de un asesino a sueldo…

Rey Del Glam [Versión] / Rumore:

Para el cuarto single de Dinarama + Alaska, en la Cara A, todo un homenaje a Bowie, T. Rex y Gary Glitter, de todos conocida: ”Rey Del Glam”. Se regrabó completamente entera colaborando en los Coros: Edy (Gabinete Caligari), Jaime (Gabinete Caligari), Javier (Zombies/Dinarama), Loquillo y José (P.V.P.). En cuanto a la Cara B, una magnífica del archifamoso tema de Raffaella Carrà (que dejó boquiabierto a más de uno).

Cómo Pudiste Hacerme Esto A Mí [Re-Mix] / De Sol A Sol:

Aquí es dónde empieza realmente la ascensión del grupo al universo de las estrellas. La prueba de ello: ésta maravillosa versión que se hizo de cara a las pistas y bailada hasta la saciedad y que relata hasta dónde puede llegar una persona cuando es presa de los celos. Para la Cara B una bonita pieza instrumental a cargo de Carlos.

Ni Tú Ni Nadie / Jaime Y Laura:

Siguiente mega-hit y por todos de nuevo coreada. Para el maxisingle se volvieron a hacer versiones largas.

Un Hombre De verdad [Versión Nueva]:

Tercer éxito. Se volvió a remezclar la canción. En cuanto a la que aparece aquí era una versión edit que se hizo para radio y que nunca salió a la venta.

Tokio:

Antigua canción de Pegamoides y cara B en ésta ocasión de “La Funcionaria Asesina” y con Los Nikis como estrellas invitadas.

La Vida Sigue [Extended Mix] / Perdiendo El Tiempo:

Caras B del primer maxisingle de Fangoria: “En Mi Prisión”. Cuando las cosas entre el tándem Alaska-Canut-Berlanga no fueron como debieron y Carlos salió del grupo, sus dos compañeros le dedicaron el primer tema; en cuanto al segundo, todo un himno a la pereza más absoluta.

Dios Y Diez Demonios:

Cara B del segundo maxisingle de Fangoria “Hagamos Algo Superficial Y Vulgar”.

CD 2

Bailando [Versión Inglesa]:

Grabada en inglés para su lanzamiento internacional al mercado anglosajón.

Redrum [Versión Inglesa]:

Grabada en inglés en ésta ocasión para ser lanzada en UK como cara B de Bailando e inspirada en el film “El Resplandor”.

Bote De Colón [Club Mix Tecno-Chochi ’86]:

Otra antigua canción de Los primeros Pegamoides para ser incluída como cara B del súper-éxito “A Quién Le Importa”, pro aquí en una versión más chochi.

Bailando [Balearic Matey Mix]:

En pleno nacimiento del Ácid se hizo ésta versión de “Bailando” producida por Jesús N. Gómez y con producción adicional y remezcla a cargo de “The Democratic Three” para ser editada en el recopilatorio alemán “Acieed Inferno” del sello “BCM Records” y como cara A del maxisingle para el mercado anglosajón y de nuevo enfocada a las pistas de baile.

Sospechas [Tur-Mix]:

Cara A del maxisingle del mismo título y segundo del álbum “Diez”, remezclada por Jesús N. Gómez.

Zombis En La Casa Del Amor:

Cara A del maxisingle “Mi Novio Es Un Zombi” remezclada por Rebeldes Sin Pausa. A tener en cuenta la conversación telefónica entre Alaska y su peculiar novio.

Quiero Ser Ácida:

Cara A del maxisingle “Quiero Ser Santa” en su versión más ácida revisitada por Rebeldes Sin Pausa.

Descongélate [Durante 5:55 A 75º]:

Cara A del maxisingle del mismo título y último de Alaska Y Dinarama, de nuevo remezclada por Rebeldes Sin Pausa para hablarnos de una relación en la que impera el frío.

Un Hombre De Verdad [Pumpin’ Dolls ’98 Edit]:

Maravillosa la versión hecha por Pumpin’ Dolls al más estilo “ElectroGay”

Huracán Mexicano [Mix ’96]:

Remezcla realizada en 1996 con motivo del lanzamiento del álbum “Delirios De Grandeza”.

En Mi Prisión [Dub Mix]:

Segundo corte de la cara A del primer maxisingle de Fangoria remezclada para la ocasión por Danny Hyde.

Hagamos Algo Superficial Y Vulgar [Club-Mix]:

Cara B del segundo maxisingle de Fangoria y remezclada por Danny Melingo para incitarnos a volvernos “crazy”.

Punto Y Final [Lost In Space] / Basura [Basura Espacial]:

Tercer Maxisingle de Fangoria que nunca llegó a ver la luz. Para la cara A una remezcla de la canción a cargo del famoso productor de Shefield, Robert Gordon, para mostrarnos una vez más el adiós. Para la cara B una versión de la famosa canción de Los Panchos revisitada y producida por Fangoria.

En Mi Prisión [Pumpin’ Dolls Radio Edit]:

Superproducción y remezcla de lujo a cargo de nuevo de Pumpin’ Dolls, altamente innovadora…

©  Pedro Munster – 27 de Noviembre de 2016

Prince; más de diez cosas que no sabías del genio púrpura

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El 21 de Abril el mundo lloraba la pérdida de Prince. Nosotros también, profundamente. Genio, divo, artista, icono, símbolo sexual, estrella y súper estrella, músico de 24 horas, músico total…Prince deja un vacío enorme y mil grabaciones inéditas, algunas de ellas irán viendo la luz en los próximos meses. Imagínate que metes en una coctelera a Little Richard, James Brown, Jimmy Hendrix, Mick Jagger y Michael Jackson…¡¡¡Bum!!! Prince era todos ellos y mucho más. Un talento inmenso y una capacidad de trabajo incansable que le llevó a grabar sin pausa, y a entregar al mundo algunas de las canciones más sexys del siglo XX.

Aquí va nuestro pequeño homenaje al príncipe púrpura con esta lista de datos que puede que no conozcas de él

  1. Escribió su primera canción a los 7 años. Se titulaba “Funk machine”
  2. A los 10 años saltó al escenario y bailó en un concierto de James Brown, hasta que lo echó el personal de seguridad. Años más tarde actuó con él y Michael Jackson en una apoteósica farra “jam funk”
  3. A los 19 años rechazó un contrato con CBS porque le querían imponer como productor a Verdine White, de Earth, Wind & Fire
  4. También rechazó una colaboración con Michael Jackson en su single “Bad”, porque no le gustaba la primera estrofa “Your butt is mine” (Prince; “¿Quién canta eso y a quién?”)
  5. Escribió el hit single  “Kiss” para Mazarati, el grupo de su bajista Mark Brown. Pero finalmente cambió de idea y fue él quien grabó la canciónprince-kiss
  6. Prince estuvo profundamente enamorado de Susannah Melvoin, la hermana gemela de su guitarrista Wendy Melvoin. A ella dedicó sus mejores baladas en los años 80; “The Beautiful Ones,” “Nothing Compares 2 U,” y “Forever In My Life.”Prince escribió una canción titulada “Wally”, en la que confesaba sus sentimientos más profundos sobre Melvoin, a su guardaespaldas y bailarín Wally Safford. La ingeniero de sonido de Prince, Susan Rogers, fue la única persona que escuchó esta canción, que fue destruida inmediatamente después de su grabación.pringe-girl
  7. Prince desarrolló un “alter ego” femenino llamado Camille, cuando trabajaba en el álbum “Sign O The Times”. Grabó un disco entero con este nombre, pero al final lo desechó al plantearse hacer una película sobre el personaje en la que él interpretaría, travestido, a la propia Camille.
  8. En 1987 canceló la publicación, a una semana de su salida, del álbum “The black album”, ya que según él “era obra del diablo”. Firmando como Camille, explicó su decisión en el programa de gira de “Lovesexy”, diciendo que el disco se concibió para “silenciar a sus críticos”, pero que al final se dio cuenta de que “su lado oscuro había creado algo diabólico”. El disco finalmente vio la luz en 1994black-album
  9. Accedió a grabar la BSO de “Batman” porque se enamoró de Kim Bassinger. Tim Burton había pensado en Prince y Michael Jackson para grabar la banda sonora de “Batman”, pero finalmente Prince grabó un disco entero de material nuevo tras conocer a Kim Bassinger y enamorarse de ella. Incluso canceló una gira en Japón, para trabajar en el disco e impresionar a Bassinger.
  10. Podría haber sido una estrella del baloncesto. Suena descabellado, pero Prince era un gran aficionado del basketball e incluso jugó este deporte durante toda la secundaria. Su ex entrenador dijo que las razones por las cuales no llegó a ser un jugador profesional fue debido a su estatura (sólo medía 1.53 cm) y porque perdía mucho el balón, pero también reveló que el cantante era bastante bueno.prince-basket
  11. Kevin Smith contactó con Prince para usar su canción “The Most Beautiful Girl in the World” en la película “Jay y Bob el silencioso contraatacan”, pero el cantante declinó la oferta. De hecho intentó convencer a Smith de que filmase una película que incluyera imágenes de Prince y su banda interpretando canciones del disco “The Rainbow Children”, junto con mensajes cristianos impresos en la pantalla (“Jesús es el hijo de Dios”). Smith filmó horas de imágenes en Paisley Park pero finalmente abandonó el proyecto al ver que se había concebido para reclutar testigos de Jehová.
  12. En 1985 colabora con Madonna, con la que estuvo saliendo durante una temporada, y graba la guitarra de “Like a prayer”
  13. Era un gran fan de la serie “New girl” y apareció en ella tras pedírselo a Zooey Deschanel diciéndole que lo único que veía en la tele era su serie y las noticias.new-girl
  14. Le pidió a Stevie Nicks de Fleetwood Mac que escribiera la letra de “Purple rain”, pero ella declinó la oferta alegando que la canción era enorme y la oferta le causaba vértigo.
  15. Músico autodidacta, llegó a tocar 20 instrumentos y grabó él solo el primer disco de su grupo paralelo, The Time
  16. En el 2003 publicó un disco de jazz titulado “Madhouse”. Sus padres fueron músicos de jazz y la banda del padre se llamaba Prince Rogers Trio.prince-jazz

An English lady of a certain age

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Hay canciones que cuentan historias. Canciones que hablan de ti y de mi. Canciones que descubren emociones ocultas. Canciones de artista. Hay canciones que no son canciones, sino sonidos. Y canciones que no cuentan ni expresan nada

Ahora que hablamos tanto de letras, es un buen momento para recordar “A lady of a certain age”, un monumento de canción. Una de esas obras que hacen de la sencillez  virtud. Majestuosa.  Parece  rescatada de la la tradición de los trovadores ingleses. También podría haber surgido de la pluma inspirada de Lordy Byron u  Oscar Wilde, el más cínico de los escritores británicos, que hizo de la borderia un arte. Una canción que recuerda a la época victoriana, y que define perfectamente la idiosincrasia de un país, o al menos parte de ella. “A lady of a certain age” habla de esas señoras inglesas que toman té en la Costa Azul, de una era que ya pasó, de cómo tu marido te abandona para escapar a Marsella, o de esperar a que un joven te invite a una bebida. En línea con otras letras sublimes, “Like a Rolling Stone” de Bob Dylan o el tango “Margot” de Gardel que aquí popularizó Malevaje, “A lady of a certain age” reproduce una imagen de abandono amoroso, amantes despechados y  ricos herederos venidos a menos.

Un gran aplauso para Neil Hannon de The Divine Comedy, uno de los mejores letristas pop de las últimas décadas. De hecho hay que mencionar que en febrero de 2007 fue galardonado con el James Joyce Award otorgado por la Literary and Historical Society de la Universidad de Dublin  por «su excepcional contribución a la música moderna».

Back in the day you had been part of the smart set
You’d holidayed with kings, dined out with starlets
From London to New York, Cap Ferrat to Capri
In perfume by Chanel and clothes by Givenchy
You sipped camparis with David and Peter
At Noel’s parties by Lake Geneva
Scaling the dizzy heights of high society
Armed only with a cheque-book and a family tree

You chased the sun around the Cote d’Azur
Until the light of youth became obscured
And left you on your own and in the shade
An English lady of a certain age
And if a nice young man would buy you a drink
You’d say with a conspiratorial wink
“You wouldn’t think that I was seventy”
And he’d say, “no, you couldn’t be!”

You had to marry someone very very rich
So that you might be kept in the style to which
You had all of your life been accustomed to
But that the socialists had taxed away from you
You gave him children, a girl and a boy
To keep your sanity a nanny was employed
And when the time came they were sent away
Well that was simply what you did in those days

You chased the sun around the Cote d’Azur
Until the light of youth became obscured
And left you on your own and in the shade
An English lady of a certain age
And if a nice young man would buy you a drink
You’d say with a conspiratorial wink
“You wouldn’t think that I was seventy”
And he’d say, “no, you couldn’t be!”

Your son’s in stocks and bonds and lives back in Surrey
Flies down once in a while and leaves in a hurry
Your daughter never finished her finishing school
Married a strange young man of whom you don’t approve
Your husband’s hollow heart gave out one Christmas Day
He left the villa to his mistress in Marseilles
And so you come here to escape your little flat
Hoping someone will fill your glass and let you chat about how

You chased the sun around the Cote d’Azur
Until the light of youth became obscured
And left you on your own and in the shade
An English lady of a certain age
And if a nice young man would buy you a drink
You’d say with a conspiratorial wink
“You wouldn’t think that I was seventy”
And he’d say, “no, you couldn’t be!”

Diez cosas que quizá no sepas de Tino Casal

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Tino era más de lo que te imaginas. Artista total, una fuerza creativa de la naturaleza que traspasaba géneros para crear una música universal que sigue siendo eterna. Tino fue nuestro Bowie particular y su legado estás más vivo que nunca en canciones de arreglos sublimes que mantienen su vigencia en pleno siglo XXI.

Aquí va una lista de cosas que puede que no sepas del gran Tino Casal.

  1. El productor de U2 Steve Lillywhite era el técnico en Abbey Road Studios cuando grabó la versión en inglés de su éxito “Embrujada”, aunque finalmente nunca se editó.
  1. Tino Casal estudió Bellas Artes durante más de 5 años, su pasión por la pintura y la escultura le llevó a realizar diversas exposiciones con sus obras, recibiendo excelentes críticas.
  1. El nombre AZUCAR MORENO, del popular dúo de hermanas, fue tomado de la canción de Tino Casal.
  1. La histórica versión de “Eloise”, canción originalmente compuesta por Paul y Barry Ryan, se grabó con laRoyal Philarmonic Orchestra con más de 90 músicos en el Estudio 1 de Abbey Road, donde se grabó por ejemplo la banda sonora de La Guerra de las Galaxias.
  1. Logró la segunda posición en el Festival de Música de Benidorm celebrado en 1978.
  1. Tino fue productor de grupos de música heavy como Obús.
  1. En 1992 se inauguró en su pueblo natal, Tudela Veguín, una calle que lleva su nombre en reconocimiento a su carrera artística.
  1. David Bowie quedó deslumbrado cuando escuchó a Tino interpretando su personalísima versión de “Life on Mars?”.
  1. Además de versionar a Bowie, hizo magníficas versiones de Human League “Don´t you Want me”, Roberta Flack “Killing Me Shoftly with his song”o Cream “White Room”.
  1. No sólo diseñaba el vestuario que lucía sobre los escenarios, también diseñó sus propias joyas y otros complementos de bisutería.

 

El Salmón

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David Bonilla, master of A&R, vuelve al blog para escribir sobre el disco apocalíptico de Andrés Calamaro, un artista con el que ha trabajado intensamente desde hace más de 20 años.

El 13 de noviembre de 2000 El Salmón se transformó en 5 rodajas con 103 canciones.

Los meses previos fueron de una gran intensidad. Andrés vino a las oficinas de DRO en Francisco Remiro a enseñarnos su “salmón”. Era una selección de lo que llevaba creando en los últimos meses. Eran 15 CDs con 22 canciones cada uno.

Todo provenía de un equipo de cuatro pistas portátil, que grababa en cassettes, que había viajado de Buenos Aires a Madrid varias veces ese año. Andrés estaba en estado de gracia. Sus días duraban semanas, y su creatividad no tenía límite. No había distracciones. Ni siquiera escribía las canciones, directamente pasaban de su interior al cuatro pistas. El tiempo se detenía mientras sus canciones corrían una detrás de otra.

Escuchamos 330 canciones, pero quizá habría 500, o mil, o más… era una ola gigante llena de música. Desde lo más bizarro hasta lo más bello.

Nos empeñamos en convencerle de volver a grabar con su banda una selección de canciones. “Revolución turra”, “Rumbo errado”, “El salmón”… y lo hizo…En un par de días en los estudios Sintonía regrabó diez de esas canciones, algunas de las cuales acabaron en “El salmón” y otras fueron derrotadas por las versiones crudas y ásperas grabadas en su cuatro pistas.

Si el Dodge de Joe Strummer ha merecido un documental, qué no merecería la búsqueda del grabador de cuatro pistas de Andrés.

“El salmón” es una obra inacabable, en cada escucha descubrimos nuevos detalles, canciones, letras, sonidos, que hacen de este álbum una enciclopedia del rock. También tenemos que decir que no es recomendable escucharlo entero del tirón. Poco a poco, entrar en su oscuridad para descubrir su luz.

 

Here comes the fuzz. Mark Ronson

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Antes de Amy Whinehouse y de “Uptown funk”, Mark Ronson publicó su disco de debut en el 2003 y no se enteró ni el tato. “Here comes the fuzz”. Un discazo. La banda sonora ideal para una fiesta. Hip hop para gente a la que no le gusta el hip hop,  y más cosas. Ronson era conocido entre la “socialite” de Nueva York por pinchar en todas las fiestas de la ciudad. Este disco empezó a sentar las bases de su sonido, que tiende puentes entre la cultura urbana afroamericana del siglo XXI  y el soul-funk de los 60 y los 70.

El álbum mantiene su “punch” más de 10 años después y contiene un buen puñado de temazos que no desmerecen a ningún hit actual; “Ooh wee”, “I suck”, “International affair”  o “Here comes the fuzz” . Hay un montón de colaboraciones, sobre todo de rappers como Ghostface Killah, Mos Def, Nate Dogg, Anthony Hamilton o Nappy Roots. Pero también de cantantes como Rivers Cuomo de Weezer, Sean Paul y Tweet, Nikka Costa (¡!) o Daniel Merriweather.

“Here comes the fuzz” salió en España en el año de su publicación pero tuvo una repercusión escasa y únicamente la desaparecida revista de Barcelona Go Mag se animó a entrevistar a Ronson. Este disco no te va a cambiar la vida, pero si hará que durante más de 40 minutos, la vivas con una vibración positiva.

 

Fleetwood Mac

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Fleetwood Mac2 - photo credit Sam Emerson

Ojo; Fleetwood Mac no es un grupo para currutacas inglesas. Aunque puede que algunas de ellas escuchen sus canciones. No nos extraña. Algunos de esos temas han sobrevivido décadas, modas, odios,  tempestades  y corrientes culturales. Y ahora es momento de reivindicarlos y hacer justicia con un grupo ÚNICO en la historia del pop.

En Fleetwood Mac se congrega la mayor cantidad  de compositores de enorme talento de la historia de la música. Frente a Lennon&McCartney, Jagger&Richards o Page&Plant , el trío formado por  Stevie Nicks, Chrstine McVie y Lindsey Buckingham escribió una de las páginas más brillantes del gran libro de la música popular gracias a una colección de canciones eternas.  La impresionante racha de cinco discos multi platino de Fleetwood Mac comenzó en los años 70 y continuó hasta 1982 con la publicación de “Mirage”. Álbumes como “Rumours”, grabado en medio de la catarsis, el caos, las rupturas emocionales y el abuso de drogas, o “Tusk”, de una onda más experimental,  son joyas a descubrir y reivindicar por la generación Pitchfork.  Aquí puedes ver un docu de la BBC sobre “Rumours” Mira aquí el video de “Tusk” grabado con una fanfarria de la Universidad del Sur de California. Y este otro video hizo historia en su momento; “Gypsy” fue el clip más caro de su época .

En Fleetwood Mac destacaba el enorme magnetismo de Stevie Nicks, que se ha convertido en todo un icono femenino para la generación del click. Junto con Kate Bush, es la cantante femenina de los 80 que mas menciones recibe en redes sociales. Es objeto de adoración por parte de una nueva generación de chicas que busca en el pasado  referentes con personalidad.

Hay más historias sobre Fleetwood Mac; las portadas de algunos de sus discos forman parte de la iconografía del pop, especialmente la de “Rumours”. La foto de “Mirage”, que fue realizada por el fotógrafo de Hollywood George Hurrell, ha sido objeto de debates y especulaciones durante años. Y la imagen de portada de “Tusk” fue realizada por Peter Beard, uno de los fotógrafos más creativos del siglo XX.

Wilco Wilco Wilco

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Everybody loves Wilco. En esta casa hemos trabajado mucho y muy bien con el grupo de Chicago. Desde su debut en Nonesuch “Yankee Hotel Foxtrot” (2002) hasta su disco de título homónimo, del 2009. Una experiencia intensa,  muy satisfactoria y enormemente enriquecedora.

De Wilco nos gusta especialmente cómo han sido capaces de construir una carrera ejemplar al margen de los convencionalismos, la radio fórmula o los impactos publicitarios (que también los hubo). A base de grabar discos inmensos, plenos de talento, y ofrecer algunos de los conciertos mas memorables que se recuerdan (La Riviera, Noviembre del 2007) .  Las constantes visitas del grupo a España, desde su debut en el PS del 2004 (en Poble Nou), han ayudado a cimentar una fama y una legión de seguidores que no quería perder detalle de su prodigiosa musicalidad. El silencio en los conciertos de Wilco es muy representativo del grado de involucración que el público español tiene con el grupo americano. El DVD en directo “Ashes of American flags” (2009) es un fiel testimonio del potencial de Wilco en directo.

“Beautiful and strange”, a esto nos sonaba la demo con dos canciones (“Either way” e “Impossible Germany”) que su manager Tony Margherita nos entregó meses antes de la publicación de “Sky blue sky”.  Tweedy visitó Madrid y Barcelona para defender este disco, en dos agotadoras jornadas promocionales de las que aprendimos un montón. Entre recomendaciones de libros (“El arco iris de la gravedad” de Thomas Pynchon), y discos (Relatively Clean Rivers) confesiones de un incipiente “runner”, 20 Diet Cokes al día y el “descubrimiento” del Vichy Catalán, entrevistas tensas con RDL y comidas en el mercado de Barcelona, se cimentó una relación que tuvo su continuidad durante varios años.  Por el camino quedaron muchas entrevistas, videos de fans para El Pais, merchan y memorabilia de todo tipo (un jugoso 7” con inédito para FNAC) , un archivo de grabaciones en audio y video de sus conciertos, y sobre todo, una sensación de estar al lado de un genio de verdad. Un músico de raza, con un talento especial y una personalidad única. Tweedy es un niño grande, con las dudas y certezas de los grandes artistas, pero tiene una visión muy clara de cómo debe ser su carrera. Y esta pasa por proyectos paralelos como su disco en solitario, los dos maravillosos álbumes con Billy Bragg en homenaje a Woody Guthrie o  Loose Fur, el grupo que creó con Glen Kotche y Jim O´Rourke y que grabó un disco espontáneo e inmediato con alguna de las mejores canciones de su repertorio.

Material de visionado obligatorio para cualquier fan de Wilco; el documental “I am trying to break your Heart”  (2002) sobre la grabación de “Yankee hotel foxtrot” y su complicada salida de Reprise. Es también muy recomendable el libro “Learning how to die” del periodista Greg Kot.

Si te las perdiste en su momento, ahora puedes hacerte con las obras maestras de Wilco a un precio especial reducido.  De  “A ghost is born” a “Yankee Hotel foxtrot”, pasando por su etapa en Reprise; “AM”, “Being there” y “Summerteeth”

Foto Jeff Tweedy; Autumn De Wilde 

 

Stills & Young. Encuentro en la carretera

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More new blood. Juanjo es un nuevo fichaje con una pasión real por la música, el cine y la literatura. Juanjo sabe lo que se hace y nos ha pasado este curradísimo texto sobre Neil Young, Stephen Stills y Buffalo Springfield;

 

N E I L  Y O U N G. No hace falta pronunciar una sílaba más. Su propio nombre ha trascendido su valor lingüístico y tiene un significado propio, casi mitológico. Leyenda viva de la música nacido en Toronto hace 71 años, amante de los automóviles, los trenes y reconocido activista ecológico. Un músico prolífico como pocos, con más de medio centenar de álbumes entre discos de estudio, directos y recopilatorios. ¿Qué más se puede escribir sobre Neil Young?

Este post no busca analizar con precisión quirúrgica la irregular carrera del canadiense, ni responder a dudas existenciales tales como “¿Cuándo grabará Neil Young el próximo Harvest?” (probablemente no lo reconoceríamos aunque lo tuviéramos ante nuestros oídos). Negativo. Este post habla sobre las casualidades. Sobre cómo el destino se quiso cruzar entre dos músicos excepcionales condenados a entenderse: Stephen Stills (Texas 1945) y Neil Young. Desde que ambos se conocieron en Fort William (Ontario, Canadá) en 1963, una más que justificada admiración mutua les llevó a jurar que en algún momento de sus vidas iniciarían proyectos juntos. En esos momentos los compromisos de Stills con The Company, y de Young con The Squires (y posteriormente The Mynah Birds) aplazaron la colaboración.

Neil Young y Bruce Palmer (bajista de The Mynah Birds) abandonaron el frío norte tras la disolución del grupo y huyeron con sus instrumentos en Mort, un viejo Pontiac fúnebre, hacia tierras más cálidas. Concretamente hacia Los Ángeles, California. No olvidemos que ninguno tenía pasaporte americano. Allí los dos inmigrantes ilegales se pasaron semanas buscando a Stephen Stills por el circuito nocturno de la ciudad, sin éxito. Nadie en la escena musical había oído hablar de él. Sin dinero para subsistir y únicamente con un tanque lleno de gasolina, los dos amigos ponían rumbo a San Francisco, la meca hippie por excelencia, cuando en medio de un gigantesco atasco escucharon gritos desde el automóvil contiguo: “¡Neil! ¿¿Eres tú??”. El Dios Música obró el milagro. Stephen Stills y Neil Young se bajaron de sus respectivos coches y, entre ruido de bocinas e insultos, se fundieron en un abrazo.

Aún no lo sabían pero en esa calurosa carretera se germinó la semilla de lo que sería con posterioridad una de las bandas más exitosas de la escena country-rock en los años sesenta: Buffalo Springfield. La etapa que sucedió a la época de pubertad musical de Young con The Squires, su primera banda “seria”, duró dos años: de 1966 a 1968. Lo que tardó Palmer en ser nuevamente deportado a su Canadá natal por posesión de marihuana, algo que ninguno supo superar. Palmer era el cemento que unía a la banda con dudosa solidez. Dos años repletos de batallas de egos, escándalos con las drogas y problemas con la policía. Demasiados gallos en un mismo corral.

Buffalo Springfield, el grupo con nombre de cosechadora, fue un punto y aparte en la historia de la música americana. Young, Stills y Furay supieron hacer interactuar a la perfección guitarras eléctricas y acústicas, haciendo de ese sonido, junto con la armonía de sus voces, su sello de identidad. El country-folk de Stills fundido como mantequilla con los solos más rockeros de Neil. (Algunos dicen que ese sonido fuzz tan característico de Young surgió tras caerse su amplificador por las escaleras –véase Mr. Soul). Aires frescos de trémolos y psicodelia directamente traídos desde la escena inglesa, que arrasaba en esa década. De lo que no cabe duda es que ni Neil Young ni el resto de integrantes habrían triunfado en sus posteriores carreras en solitario de la misma forma sin esos dos años de aprendizaje y convivencia con el éxito. En alguna declaración reciente afirmó no comprender por qué no grabaron discos en solitario sin disolver a los Buffalo Springfield.

Posiblemente la banda en la que menos participación tuvo Neil Young a nivel compositivo. De sobra es conocida la frustración de Young sobre su rol en el grupo. Su inseguridad respecto a las grabaciones de su voz, fundada en las opiniones de sus representantes a la hora de elegir a Stills o Furay como voces principales en muchos de los temas compuestos por él, llevó al de Ontario a consumir anfetaminas para grabar con soltura algunos temas. Pero Young sabía que existía mucha más música en su interior y abandonó la banda meses antes de sacar Last Time Around, un disco “póstumo” publicado por obligación contractual. ¿Sería Expecting to fly, uno de los pocos temas compuestos e interpretados por Young, una premonición? El resto de la historia es de sobra conocida por todos.

Benditos atascos.

Buffalo Springfield (Atlantic Records)

1966 – 1968

Buffalo Springfield (1966)

Buffalo Springfield Again (1967)

Last Time Around (1968)

Lectura recomendada; “El sueño de un hippie. Memorias de Neil Young”